La Forêt-Escargot Paris (3)

26 artistes engagés présentent des œuvres reflétant leur personnalité : ALEX PERRET, ANIS, BEERENS, BOJAN, DJALOUZ, DOUDOU’ STYLE, EVAZESIR, FKDL, HAKIC, IZA ZARO, JIBE, MADEMOISELLE MAURICE, MOSKO, NOSBE, PHOTOGRAFFEE, REAONE, SHAKA, SHOU VAGABOMBE, SLY2, SNEZ, SWAR, VINIE et ANTIFAKTORY, WAYNE. (GUESTS : REMI CIERCO, LAPIN MUTANT, TITIFROMPARIS).

A l’intérieur, le visiteur découvre une vaste forêt, et déambule devant un totem gigantesque de Nosbé aux allures animales.

NOSBÉ Totem
Ce totem est comme une émanation de la Forêt Escargot, un esprit mystique, il est fait de déchets et d’objets récupérés. C’est un être hybride, une chimère composée d’animaux fantastiques. Il s’agit d’une empreinte de notre société actuelle, le totem d’une forêt en mutation, transformée et dénaturalisée par l’Homme. L’oeil de la télévision, par son animation donne aussi bien du mouvement à cette oeuvre qu’une sensation, celle d’être constamment observé.

Puis le visiteur découvre le rêve dame nature imaginé par Vinie, sous la douceur d’une pluie des suspensions florales lumineuses de Mademoiselle Maurice.

VINIE X ANTIFAKTORY Fylgja
” La nature est une bibliothèque, ne la brûlons pas” Idriss Aberkane
Respectons-la, chérissons-la.
Inspirons nous de son intelligence et de sa beauté.
Chaque présent est une page blanche,
Chaque vie une création, un cycle naturel.
Merci merveilleuse Planète Mère.

SHAKA Réticulaire
Selon lui le végétal (plus largement le vivant) est un système réticulaire, un réseau d’ondes lumineuses qui redessinent le corps. Ces ondes ne sont pas visibles à l’oeil nu. Ce visage humain est structuré par la mise en évidence du parcours subjectif que l’artiste donne aux ondes lumineuses
formalisées par les lamelles de métal.

C’est ce réseau d’ondes lumineuses qui redéfinissent le corps que l’artiste donne à voir ici. Le but de son travail est de donner une vision singulière de l’invisible, ici ce réseau d’énergies qui est la base de tout écosystème.

MADEMOISELLE MAURICE Chrysaphysalis ou les fleurs clémentes
L’artiste met en lumière l’exposition avec ses volumes en métal arc-en-ciel
suspendus dans l’air. Ces luminaires représentent les fleurs protectrices de la forêt. Elle souhaite mettre en lumière à la fois les autres artistes exposés et les valeurs de protection de l’environnement, de récupération et de recyclage. Le choix d’une esthétique arc-en-ciel, chère à l’artiste se justifie par la volonté de retranscrire des couleurs que l’on trouve dans la nature : couchers de soleil, insectes, fleurs. De plus, la gamme chromatique de l’arc-en-ciel est significative et symbolique : elle renvoie à Nelson Mandela, la lutte LGBTQI+ et le Rainbow Warrior de Greenpeace.
Selon elle l’arc-en-ciel est un symbole de partage, d’harmonie, d’unité, de liberté et de paix.

Sous les fleurs, les araignées géantes de Swar.

SWAR Swaraignée sur la forêt

Dans un univers apocalyptique, ces animaux et insectes (des immenses araignées, un guêpe géante ) à la beauté monstrueuse, quasi-mystique, toisent les spectateurs de leurs yeux rouges. Ces sculptures en polystyrène amènent le public à porter un nouveau regard sur ces animaux habituellement exécrés. Les dimensions fantastique et onirique qui se dégagent de ces êtres tend à interroger dans le même temps leur dangerosité et rappelle que la peur liée à celles-ci n’est pas fondée.

Enfin le visiteur pourra se reposer dans les bras du panda de Doudou’Style, admirer les girafes de Mosko, contempler la machine spacio-temporelle de Wayne.

WAYNE  Purple Duke

Vestige d’une forêt aujourd’hui disparue cette cabine reste à la fois une énigme pour les scientifiques actuels et un mystère pour les religions connues. Même le carbone 14 n’a pas su donner l’âge de cette machine !

Le purple duke de la famille des positroncs aconitum était un arbre de référence pour le déplacement dimensionnel et temporel. Il aurait permis le déplacement d’univers à un autre en une nano seconde ! La cabine a traversé le temps et l’espace et séjourne pour le moment dans la forêt escargot…
Attention, la cabine est actuellement hors-service, le spectateur ne peut pas s’aventurer dedans.

Un projet un peu fou
Baptisé « la Forêt Escargot », ce projet un peu fou est l’œuvre du steet artiste parisien Anis, qui avait déjà testé à plus petite échelle les joies de l’expo collective et immersive, avec le très réussi Grand Huit de la Réserve Malakoff, en 2016.
Sous le chapiteau, la fameuse forêt se matérialise sur 300 m² en une succession d’installations et de sculptures verticales thématisées autour de la nature, et réalisées par une vingtaine de fidèles compagnons street art d’Anis, qui les sort de leur zone de confort (en peignant sur des surfaces planes) pour les challenger cette fois sur des pièces en trois dimensions. Rea One donne ainsi un beau volume à ses courbes animales, Doudou Style ose le panda en peluche géant, Sly 2 simule un arbre qui brûle, Shaka travaille le métal, tandis que Mademoiselle Maurice accroche ses fleurs lumineuses au plafond.

REAONE Les chaînes
” Transformer nos rêves illusoires en sculpture “

Cet « élément vivant » jaillit du sol comme un arbre et se développe de manière libre et aléatoire dans l’espace. Selon lui, cette sculpture libre appartient à tout le monde, à partir du moment où on la regarde ou on la prend en photo. Elle s’adapte dans l’environnement dans lequel elle grandit, ici dans une forêt.

L’art du recyclage
L’autre défi que devaient relever les artistes est de n’utiliser que des matériaux de récupération, « nés du rebus de la consommation urbaine », afin de coller à la philosophie écolo du projet, résumée par Anis : « Respecter la nature en limitant les déchets, et accepter que le beau n’est pas indissociable du neuf. »
Des estrades en polystyrène ramassées aux Galeries Lafayette, en passant par 200 planches abandonnées après un défilé Dior au musée Rodin, ou des réservoirs de moto transformés en jouets d’enfants par Mosko, près de 75 % de l’exposition se compose ainsi de matières recyclées, avec souvent un rendu bluffant : plusieurs visiteurs ne peuvent ainsi s’empêcher de toucher le corps de la poupée sculptée de Vinie, pour mieux se rendre compte qu’il n’est pas en bois… mais en polystyrène.

Les girafes de Mosko

Ici les bombes de peintures vides donnent naissance à des girafes rappelant les petits jouets en bois mobiles donnés aux jeunes enfants (poésie des mains de Mosko).

” J’ai enfin pu utiliser les sprays vides que j’accumulais depuis des années en prévision d’un événement comme celui proposé par la Forêt escargot, mettant l’accent sur l’économie circulaire et les matériaux de récupération. ” Mosko

L’escargot voyageur
C’est une exposition pour les petits et les grands qui voyage à travers la France.
« Tout tient dans trois camions », sourit Anis, qui sait déjà qu’après avoir passé l’été à Paris, son gastéropode sera démonté pour aller propager sa bonne parole écologique et artistique ailleurs : notamment Marseille, cet automne, avant un retour à Malakoff début 2020.

FKDL Forest girl
Le modèle de cette femme géante n’est pas sans rappeler Joséphine Baker qui apparaît ici comme divinité de la forêt.

Sur elle sont dessinées les nymphes de la Forêt Escargot, à la fois un écho à la mythologie en rappelant la déesse Diane/Artémis, mais aussi à l’Antiquité grecque par le dessin de silhouettes féminines noire. Dans la pénombre d’une piste aux étoiles imaginaire, Joséphine, perchée sur sa balançoire, pose un regard bienveillant sur le spectacle des habitants de la forêt.

Des oeuvres qui parlent aux parents et aux enfants
La grande réussite de cette oeuvre collective est d’avoir su créer des installations qui parlent aux parents comme aux enfants, ces derniers ayant un faible particulier pour le doudou géant en forme de panda de Doudou’Style ou le poste de pilotage aménagé dans la tête de l’escargot par Snez.
En arpentant la Forêt Escargot, née des rebuts de la consommation urbaine, les visiteurs, enfants comme adultes, pourront s’interroger sur le devenir de nos déchets, comprendre que le beau n’est pas indissociable du neuf, et ainsi reconsidérer les objets en fin de vie qui se trouvent autour d’eux, comme des ressources, et non plus comme des simples déchets.

IZA ZARO Avant j’étais petite
L’arbre source de vie renferme : Un arbre maison directement inspiré du livre d’Alice au pays des merveilles avec la volonté que le spectateur tombe dans l’univers de l’artiste.

La façade est composée de tiroirs à secrets, de meubles à ouvrir, de pendules qui laissent le temps passer.

C’est un univers, déstructurée, saturée d’éléments qui racontent l’enfance avec ses douleurs et ses joies enfantines. Les curieux y découvriront peut être leur enfant intérieur.

Une seconde vie
Dans cette démarche, nous sommes soutenus par CoRecyclage, premier  service de recyclage collaboratif et partenaire de la ville de Paris. Grâce à eux, nous avons récupéré, entre autres, 7 tonnes de bois issues d’un défilé DIOR au musée Rodin, 20 m3 de polystyrène, tasseaux, et équipé l’intégralité de nos bureaux. Nous récoltons également des matériaux à la déchetterie de Véolia. Les artistes détournent ou transforment les objets trouvés et les intègrent à leur œuvre.

C’est une exposition porteuses de sens : ainsi la coquille de l’escargot ” porte le symbole de la vie et du temps, un mouvement cyclique infini de la vie et de la mort. Elle est l’éloge de la lenteur et un indicateur de pollution.
Nous peignons pour la rue, pour les gens, et notre art est collectif, accessible et compréhensible par tous. Notre volonté est la simplicité de faire plaisir, de partager, de montrer de la poésie, du rêve, afin d’apporter de la joie et stimuler l’imagination des passants, leur changer les idées.”
Notre environnement, forme un équilibre organisé. Il s’assemble, se mélange, se rassemble et tout cohabite ensemble. Cette harmonie se retrouve dans toute la nature. Il faut réussir, en tant qu’artiste, à la représenter, la magnifier, la montrer sans cesse au grand jour pour ne pas l’oublier.
Que chaque ajout, chaque pierre à l’édifice s’insère comme le font la faune et la flore. Il faut préserver cet équilibre pour qu’il reste cohérent. Notre collectif travaille afin que chacune des œuvres dans son essence individuelle soit en cohésion avec celles des autres pour former un ensemble global et harmonieux.